Una experiencia inmersiva inspirada en Puerto Rico

Con la llegada de Bad Bunny a Madrid, la ciudad se llenó de energía caribeña. En FOOTDISTRICT Madrid trasladamos esa vibración a la tienda, convirtiéndola en una parada más del DTmF Tour, una tienda efímera dedicada a la colección adidas Originals x Bad Bunny Merch Tour. La experiencia comienza en un aeropuerto, sigue por las calles de San Juan con un espectacular flamboyán, símbolo de Puerto Rico, incluye una barra de zumos y un espacio para ver la vida pasar jugando al dominó, y culmina en lo más íntimo: un hogar caribeño, concebido como la parada final de un recorrido que comenzó como un viaje. 

Cada detalle está diseñado para que los visitantes descubran la colección adidas x Bad Bunny Merch Tour en un entorno que refleja la historia y creatividad de Bad Bunny.

Inauguración y energía compartida

Para abrir la experiencia, invitamos a amigos de FOOTDISTRICT a un recorrido personalizado acompañado de bebidas, música y baile. La energía del momento impregnó la tienda y acompañó el espíritu del tour durante toda su estancia.

La tienda efímera adidas x Bad Bunny Merch Tour estará abierta del 29 de mayo al 15 de junio de 2026.

• Lunes a sábado: 10:30 – 21:00
• Domingo: 11:00 – 18:00

Dirección: C/ de Valverde 35, Madrid

Con motivo de la llegada de DTmF Tour a Europa, FOOTDISTRICT Madrid se convierte en un nuevo espacio dedicado a adidas x Bad Bunny Merch Tour, un punto de encuentro entre música, identidad y experiencia física.

Madrid como punto de encuentro entre Bad Bunny, adidas y FOOTDISTRICT

Madrid se ha consolidado en los últimos años como el centro de la cultura latina en Europa, una ciudad permeable a la música, y Bad Bunny lo ha comprendido bien: 10 conciertos que agotaron localidades casi instantáneamente.

Para celebrar el paso de Bad Bunny, FOOTDISTRICT transforma su tienda de Madrid en el escenario de una experiencia inmersiva creada alrededor de adidas x Bad Bunny Merch Tour, una activación que convierte cada rincón en parte de un recorrido, de Puerto Rico para el mundo.

Un recorrido inspirado en Puerto Rico

La experiencia surge como un viaje. El primer espacio recrea una terminal de aeropuerto, un punto de partida, pero también un símbolo de la llegada. Allí nos dan la bienvenida las floras rojas del flamboyán, el árbol convertido en representación de Puerto Rico que ha inspirado la nueva edición de las adidas para Bad Bunny Ballerina “Flamboyan”.

El recorrido sigue por una calle inspirada en Puerto Rico. Construida a partir de referencias cotidianas y códigos de barrio que recuerdan al Viejo San Juan; el color, los adoquines y los chinchorros, pequeños bares donde puedes pararte a beber algo y jugar una partida de dominó.

Tras pasar por el aeropuerto y las calles, el recorrido termina en la parte más íntima: un hogar puertorriqueño, concebido como el cierre emocional de la historia.

Cada elemento ha sido diseñado para que el visitante pueda descubrir la colección en un entorno vinculado a su historia y comprender el proyecto como una extensión física del universo creativo construido por Bad Bunny alrededor de DTmF Tour.

Fechas y horarios

La tienda efímera adidas x Bad Bunny Merch Tour estará abierta al público en Madrid del 29 de mayo al 15 de junio de 2026.

Lunes a sábado: 10:30 – 21:00
Domingo: 11:00 – 18:00
Dirección: C/ de Valverde 35, Madrid

Grey Days 2026 vuelve a celebrar esa conexión a través de una selección de modelos y lanzamientos especiales que recorren distintas etapas de la historia de la marca.

El origen del gris en New Balance

Antes de convertirse en un símbolo estético, el gris fue una decisión funcional. Mientras otras marcas de running apostaban por colores llamativos y combinaciones agresivas, New Balance eligió una tonalidad capaz de convivir naturalmente con el asfalto y el entorno urbano.

Aquella decisión terminó definiendo mucho más que una paleta de color. El gris acabó representando una forma concreta de entender el diseño: menos estridente, más duradera y profundamente vinculada al producto.

Con el tiempo, esa elección se transformó en uno de los elementos más reconocibles de la identidad visual de New Balance.

Grey Days 2026: running, archivo y nuevas generaciones

Cada mes de mayo, Grey Days reúne algunos de los modelos más representativos de New Balance alrededor de ese color convertido ya en símbolo de la marca.

Para Grey Days 2026, la propuesta conecta distintas épocas del archivo de New Balance a través de siluetas con tecnología ABZORB y referencias vinculadas a diferentes generaciones del running.

Modelos como la 2000, 1906, 5030 o 2010 conviven con nuevas propuestas y ediciones especiales que reinterpretan el legado técnico de la marca desde perspectivas contemporáneas.

A través de materiales como malla, ante y superposiciones sintéticas, las distintas zapatillas mantienen intacta su conexión con el universo running que define la historia de New Balance. Al mismo tiempo, incorporan referencias visuales propias de diferentes décadas, desde construcciones clásicas hasta diseños inspirados en la estética técnica de los años 2000.

Un backyard Grey Days en FOOTDISTRICT Barcelona

Con motivo de Grey Days 2026, FOOTDISTRICT transforma su tienda de Barcelona en un pequeño backyard inspirado en el universo New Balance. Un espacio pensado para detenerse, relajarse y disfrutar de la colección desde otro lugar.

La instalación traslada el imaginario de Grey Days al espacio físico a través de materiales, mobiliario y una selección especial de producto vinculada a la campaña. Un entorno que conecta con la idea original del gris: comodidad, calma y una forma distinta de relacionarse con el running y el diseño.

Un punto de encuentro para descubrir algunas de las siluetas más representativas de New Balance y experimentar Grey Days más allá del producto.

New Balance Grey Days 2026 en FOOTDISTRICT

Descubre la selección New Balance Grey Days 2026 en FOOTDISTRICT y accede a modelos, reediciones y lanzamientos especiales que celebran la relación histórica de la marca con el gris.

Explora las diferentes opciones disponibles y encuentra las siluetas que mejor conectan con tu estilo dentro de una colección marcada por la herencia running, la innovación técnica y una identidad visual reconocible.

Pablo Alzaga es fotógrafo y conoce el deporte desde todos los ángulos, esteta del juego y de la arquitectura asociada al fútbol, involuntario investigador de tendencias y creador de Matinal, un estudio que descubre que el fútbol está presente en muchos otros campos de la cultura.

Matinal debería ser un equipo de fútbol pero es algo más. Mucho más. Matinal FC surge en el fútbol, sí, pero lo que le distingue del resto de equipos es lo que ocurre antes y después, el universo que consigue crear a partir del fútbol. Un mundo que habitualmente se considera enfrentado a él…o al menos a la concepción que teníamos del fútbol. 

Pablo Alzaga llega de Los Ángeles después de conocer todo lo que adidas prepara para este verano de fútbol. Un momento perfecto para hablar con él sobre sus proyectos personales, sobre Matinal y por supuesto, de lo que ha conocido de adidas en Los Ángeles.

Matinal surge en algún lugar entre el fútbol, el diseño y la música ¿Cómo nació Matinal FC? 

Matinal, tal y como lo que es hoy –un estudio creativo que se especializa en la intersección entre fútbol, moda y cultura– nació a finales de 2022. Pero antes de darle estructura de agencia, ya habíamos coqueteado con esta idea de descontextualizar las formas tradicionales del fútbol. En 2018 fundé con mi socio Nacho Asensio un colectivo creativo alrededor de nuestro equipo de toda la vida, el CCP (Club Ciudad de los Periodistas). Diseñamos camisetas junto a adidas y LATIGO –marca con la que trabajaba entonces y donde ya habíamos experimentado con proyectos que unían estas 3 disciplinas, desde Dellafuente FC a nuestra mítica camiseta partida del Barça-Madrid. Organizamos pachangas para perfiles creativos. Empezamos a tener conversaciones culturales con clubes y jugadores profesionales. Matinal es una respuesta a la necesidad de conectar lo que ocurre dentro y fuera del campo y facilitar la conversación entre ambos mundos.

Partís de mundos globales que podríamos considerar de consumo masivo, sin embargo al unirlos se forma algo completamente diferente, más relacionado con lo contracultural. ¿Sentís que vais a contracorriente?

Sí. Históricamente, el mundo del fútbol ha romantizado demasiado el concepto de shut up and dribble. Nos han enseñado que los jugadores deben dejar sus inquietudes y pasiones detrás y enfocarse en el fútbol. Pensemos en lo que ocurre cuando un delantero comparte una inquietud artística en redes, pero lleva 3 meses sin meter un gol. O cuando un club hace una activación cultural al mismo tiempo que su primer equipo coquetea con el descenso. Siempre hemos defendido que cierta separación entre cultura y performance es algo positivo para la industria, y parece que al fin esta idea empieza a tener poso en ciertos sectores del ecosistema fútbol. 

¿Cuál es el hilo conductor entre el contenido que hacéis —desde la ropa hasta la música o los eventos? 

Nos inspira la redefinición del concepto de aficionado: cómo accede a la disciplina futbolística a través de sus passion points, pudiendo estar alejados de la propia práctica deportiva: diseño, moda, arte, música, fotografía, arquitectura… en 2026 ya no es necesario haber pisado un estadio para que te interese el fútbol. Es lo que nosotros llamamos post fútbol: el espacio que hay más allá de la victoria y el resultado. 

Algo que distingue a Matinal FC es que sois “jugadores de liga de domingo” reales. Pero en la parte creativa también hay una parte de Matinal sin un vínculo directo con el fútbol. ¿Cómo friccionan esas dos partes de Matinal? 

Nuestros procesos e identidad como marca también hablan de las distintas formas de “ser aficionado”. El germen de Matinal sí que nace de un equipo de liga de domingo en la que varios de sus jugadores tienen profesiones en entornos creativos. En mi caso concreto, que trabajo en fotografía de moda, confesar en ciertos círculos que te gustaba el fútbol podía ser percibido como una red flag. Ser esa clase de tío. Pero al mismo tiempo, era bastante frecuente descubrir a perfiles creativos que también jugaban o consumían fútbol, y que no encontraban un espacio donde celebrarlo con gente afín a ellos/as. En cuanto a la parte sin vínculo directo, tenemos un ejemplo muy ilustrativo. A Sandra Ramiro –nuestra primera directora creativa y diseñadora de la identidad de Matinal– el fútbol no le había interesado demasiado hasta ese momento. Todas sus referencias venían de otros ámbitos y así se aprecia en muchos de nuestros diseños o en el propio logo: no se parece a ningún escudo de fútbol tradicional. Cualquier otro diseñador condicionado por la estética futbolera hubiese llegado a un resultado mucho más clásico, heráldico. Esta falta de sesgo aporta mucho valor y riqueza a la escena. Lo cierto es que en el equipo de Matinal tenemos a gente a la que no le gusta el fútbol, al menos no en su sentido tradicional, pero conecta por otras razones. Y es en esa fricción y diversidad de backgrounds es donde ocurre la magia. 

Hay algo en el fútbol que lo ha convertido en algo que trasciende el propio deporte. ¿cuándo crees que empezó a funcionar como un fenómeno cultural con peso propio? En un mundo hiperprofesionalizado ¿qué papel juega el aficionado en la construcción del estilo y la identidad del fútbol? 

El fútbol como fenómeno cultural y social siempre ha formado parte de su esencia. Hablando de estilo e identidad, creo que la influencia del aficionado ha crecido en los últimos años con respecto a clubes y jugadores, que históricamente son los que han marcado el ritmo. El perfil de aficionado al fútbol se ha diversificado: es plural, tiene una relación directa con la cultura y desarrolla su sentimiento de pertenencia con todo aquello que sucede sobre el césped pero también fuera de él. Exige el deporte un propósito que se extienda más allá del estadio. El nuevo fútbol ha dejado de pertenecer únicamente a futbolistas y clubes y creo que el reto actual está en dominar la conversación dentro y fuera del campo. 

¿Crees que las marcas deportivas entienden el valor cultural del fútbol? 

El fútbol, como la moda, es “reactive by design”: espera a ver lo que funciona y después lo copia con ligeros cambios. Nadie quiere liderar pero todos quieren ser de los primeros. Una vez más, el camino se abre desde la subcultura: grupos de discord, run clubs, equipos de fútbol ficticios… Creo que algunas marcas deportivas están sabiendo dónde mirar y es muy positivo que entiendan que el centro de gravedad cultural empieza en la comunidad. 

Hay un vínculo especial que une a Matinal y la música…o al menos a los profesionales de la música. ¿Cómo surge esa relación?¿Qué papel juega la música en la construcción de la identidad futbolera actual? 

Tanto música como fútbol tienen intrínsecos los sentimientos de pertenencia y comunidad. No se me ocurren muchas disciplinas que compartan tan profundamente estos valores, por eso su relación siempre ha sido tan orgánica para Matinal. Trasladado a producto, el concepto de merch como artefacto cultural es esencialmente lo mismo para ambos mundos: no encuentro diferencia entre el sentimiento que produce cruzarse con alguien con la camiseta de tu equipo o la de tu artista favorito. 

Paco de Lucía, Rod Stewart, Elton John, Julio Iglesias, Bob Marley, hay un gran historial de músicos y fútbol. Hoy día ¿se relaciona con un estilo concreto? 

Resumiría ese listado en que personality sells tickets. Los hermanos Gallagher, Leiva o Dellafuente… en el imaginario colectivo de músicos y fútbol no hay un estilo dominante pero sí un vínculo claro. Sin ir más lejos, nosotros hemos diseñado camisetas de fútbol en un espectro que va desde a Aitana a Viva Belgrado. 

No te vamos a preguntar qué músico juega mejor, pero habéis organizado partidos en situaciones y lugares un tanto extraños. ¿Cuál crees que es el más extraño en el que has jugado? ¿Alguna anécdota? 

En 2023 jugamos dos partidos en una misma semana contra Duki, Milo J, Khea y su gente a raíz de un pique en una cena (Argentina campeona del mundo 2022 type beat). El primer partido lo jugamos a puerta cerrada, pero el segundo día unos chavales nos cazaron entrando en un polideportivo del centro de Madrid y acabamos jugando un partido con más de 100 críos gritando en las bandas. La hermana pequeña de uno de los jugadores de nuestro equipo nos vio en tiktok. 

La moda tiene sus pasarelas dos veces al año, el fútbol lo tiene cada cuatro ¿Qué supone la Copa del Mundo en términos de estilo? 

El poder simbólico de las equipaciones de la Copa del Mundo y cómo se convierten en iconos (pienso en España 94, Alemania 94, Francia 98) es un soplo de aire fresco frente al ritmo actual en el que los clubes lanzan hasta cuatro ó cinco equipaciones por temporada. 

¿Qué puedes contarnos de la presentación de las equipaciones adidas en Los Ángeles? 

adidas ha demostrado cómo está dominando la conversación dentro y fuera del campo. La introducción –36 años después– del logo Trefoil en equipaciones de la Copa del Mundo es un gran movimiento, con Originals como motor narrativo en un espacio históricamente reservado a performance. Esto hace más fácil que la comunidad de insiders culturales conecte con el fútbol a través de sus pasiones (diseño, moda, música) y amplíe orgánicamente el discurso de la marca. 

En mi opinión, este debería ser el futuro de la relación fútbol-marca: narrativas basadas en su propio valor cultural, conectadas con el contexto deportivo pero independientes. Lo que ocurre alrededor del terreno de juego ahora es tan relevante como lo que pasa dentro de él. 

¿Qué te interesa más de las comunidades que se generan alrededor del fútbol, las gradas, la calle, los proyectos creativos? 

Me interesa analizar cómo los proyectos de fútbol creativo anticipan los cambios culturales en lugar de reaccionar ante ellos. Como decía antes, los líderes del discurso siempre provienen de los márgenes. 

El fútbol está viviendo un proceso de actualización visual, narrativa y estética: ¿hacia dónde crees que va esa evolución? 

Los aficionados y jugadores son cada vez más plurales y diversos. Los clubes se han convertido en ecosistemas complejos. Las ligas ya no son competiciones, sino festivales. Podríamos resumirlo en que el valor del fútbol como marca ahora está dentro y fuera del campo. Debe orientarse a desarrollar su propio lore: un hilo conductor que mantenga enganchado al aficionado entre temporadas, sin limitarse únicamente al resultado deportivo. 

¿Qué valores o emociones te gustaría que Matinal FC transmitiese a las próximas generaciones de fans de fútbol y cultura? 

El fútbol va mucho más allá del partido de los domingos, del deporte en sentido estricto – forma parte de nuestra identidad y del día a día. Human first, athlete second. 

La historia de Air Max comienza así. Con una revelación. Con el aire, durante años oculto, expuesto por primera vez como si fuera una verdad imposible de volver a esconder. Aquella decisión cambió una zapatilla y también cambió una forma de mirar. Lo evidente dejó de ser suficiente. 

Hoy, esa misma lógica se desplaza hacia la Nike Air Liquid Max, una heredera de la saga Air Max con tecnología de aire líquido, nanoprints vibrantes y detalles distintivos como la suela exterior de goma translúcida tintada. Un territorio donde crear y confesar empiezan a confundirse.

Para este lanzamiento, hemos desarrollado una pieza audiovisual junto a 1111 (mil-ciento-once), un colectivo de música electrónica emergente formado por Fedra, Armas y ru0001, nacido de la casualidad, a partir de un encuentro fortuito y sostenido por la intuición. Tres arquitectos del ruido que han perdido el miedo al pop a la vez que mantienen su vínculo con el netcore y el underground digital. Música diseñada para caminar por la ciudad con cascos, sintiendo que el cemento también late.

Una de las canciones de su próximo trabajo, La línea de puntos, habla precisamente de lo que se espera. De ese trazo que alguien dibuja para que lo sigas. Y de la decisión de romperlo. Por eso es la canción que ha elegido 1111 para recrearla en una nueva versión exclusiva para FOOTDISTRICT. El sustrato visual creado por Duelo y Ex-All a partir de la canción, desarrolla la idea de la confesión, de la exposición pública, que se sitúa también en el germen de la creación artística.

La Nike Air Liquid Max existe en ese mismo gesto, en el momento en el que se desvía del camino trazado. Como una confesión que no busca aprobación, sino liberación.

Porque al final, crear también es eso. Decir algo que no sabías cómo decir. Y hacerlo visible.

Puma Suede x Charles F. Stead

La Puma Suede se asoció a la música desde su propio nacimiento. Creada para Walt “Clyde” Frazier, la silueta (que se popularizó también con otros nombres), explotó durante la época dorada en la que los New York Knicks consiguieron dos anillos de campeón de la NBA. Frazier era el ídolo local y sus zapatillas de suede se convirtieron en el emblema de la ciudad de NY. El suede, el material elegido por Frazier, permitía infinidad de colores, toda una novedad en el baloncesto de los setenta. 

En este nuevo lanzamiento, la Puma Suede se alía con Charles F. Stead, una curtiduría británica con más de un siglo de experiencia, para mostrar el lado más artesano de una zapatilla en la que el material es su principal característica. Y por supuesto, quisimos llevar el lanzamiento hasta FOOTDISTRICT Madrid. 

Una experiencia sónica

La tienda se transformó en un escenario donde el cuero y el proceso de fabricación cobraron vida a través de diferentes experiencias interactivas. Uno de los principales atractivos fue la instalación de cubos de sonido suspendidos, que permitían a los asistentes sumergirse en una experiencia sonora única. Cada cubo ofrecía una selección musical diferente, que abarcaba géneros como el R&B, hip hop moderno, y rap clásico, creando una atmósfera rica y dinámica que conectaba perfectamente con el espíritu de la PUMA Suede .

Además, los visitantes, todos relacionados de algún modo con la música, tuvieron la oportunidad de personalizar sus propias PUMA Suede con un sistema de prensado de cuero, cordones y charms. Guiados por artesanos expertos, los asistentes pudieron experimentar de primera mano el proceso artesanal que ha definido a la marca, creando así una conexión tangible con la tradición del cuero de Charles F. Stead.

La idea surgió tras Thanksgiving: las sobras resumen lo mejor de una comida y permiten jugar con la creatividad para crear algo nuevo ¿por qué no convertirlas en concepto central del evento? Leftovers hablaba de mezclar, reutilizar y jugar con lo que ya existe. La NB993 puede que te resulte familiar, se creó en 2008 como una versión actualizada y más liviana de la 992. No precisamente a partir de sobras, pero fue una manera creativa de que un diseño evolucionara. Así que la presentación también debía seguir el mismo patrón, sin fuegos de artificios, como una pandilla de amigos que quedan para terminar con las sobras.

La mesa no estaba puesta, estaba intervenida. En lugar de manteles perfectos, la cubrían ilustraciones originales de Trazas que los invitados podían llevarse a casa. Cada persona se servía su propia comida, montaba el plato a su manera, borrando las fronteras entre anfitrión y público. El fotógrafo o el dj se movían como un comensal más, entre la gente de FOOTDISTRICT y los amigos de New Balance. El lema flotaba en el ambiente: “Yo me lo guiso, yo me lo como”.

Al final de la noche, cada asistente se llevó una tartera personalizada, con los restos de la cena, una prolongación tangible de la experiencia que invitaba a revivirla al día siguiente, al abrir la nevera. Sospecha compartida: en alguna cocina, mientras se recalientan esos leftovers, la conversación sobre la 993 sigue encendida.

Thanksgiving es una celebración MADE IN USA creada a partir del agradecimiento. En FOOTDISTRICT creemos que un acto tan importante como dar las gracias no se puede quedar en un único día. Y sabemos que la comida de Thanksgiving tampoco se queda en ese día.

Con la ayuda de New Balance, hemos preparado una cena a partir de la idea del reciclado creativo de los restos de Thanksgiving. En la búsqueda de la parte más artesanal, que acompañaran a las New Balance 993 MADE IN USA, hemos encontrado al ilustrador Carlos Almandoz, Trazas.

En la previa a la cena, quisimos saber algo más de él, de su obra…y hemos intentado no preguntarle demasiado por lo que nos ha preparado…

¿Cómo defines tu estilo? ¿Qué elementos visuales o emocionales son imprescindibles en una obra para que sientas que “es muy Trazas”?

Un estilo sencillo, amable y universal. Algo muy característico de mi obra es que es fácil, agradable, y para todos los públicos.

Si tuviera que destacar algún elemento visual o emocional clave de mi trabajo serían las expresiones de movimiento que tienen los personajes de las escenas y obras que trabajo.

Hablamos contigo con motivo del evento que organizamos junto a New Balance, inspirado en los leftovers del Thanksgiving. En tu vida también ha habido “restos” de etapas anteriores: cambios de rumbo, saltos profesionales… ¿Cómo se reutiliza ese aprendizaje de un mundo aparentemente tan distinto en tu trabajo actual?

Creo que el pasado nos enseña mucho más de lo que creemos. En mi caso, definitivamente Trazas no sería hoy lo que es, si no hubiera tenido un pasado en consultoría, hubiera trabajado con determinadas personas que me inspiraron, o si no hubiera estudiado la carrera que estudié.

De igual forma, creo que si no hubiera vivido esos primeros 8 años profesionales menos vocacionales, no valoraría tanto mi trabajo actualmente. Haber trabajado en proyectos que no me motivaban tanto, me ha hecho valorar mi día a día muchísimo más.

Creo que esto es clave para que disfrute ahora mismo tanto de lo que hago.

Tienes cierta relación (al menos académica), con Estados Unidos ¿pudiste vivir alguna Acción de gracias?

Si, totalmente. Durante mi etapa de estudiante en ICADE participé en un programa con la Universidad de Georgetown y la verdad es que la cultura americana es muy diferente a la europea. Hay cosas que no comparto o me gustan tanto, pero si en algo me dan envidia es en lo orgullosos que están de sus tradiciones, de su bandera, de su país y de sus raíces.

En ese sentido, da gusto ver cómo viven Acción de gracias cada año, y sobre todo lo que supone para la sociedad. Es una bonita tradición, por el simple hecho de serlo y celebrarla, y por lo que supone y significa.

En cocina, cocinar los restos es un acto casi íntimo, que se ofrece a los más cercanos y a la vez, es un ejercicio de creatividad ¿Ocurre algo parecido en el arte? ¿Se “reciclan” ideas y Proyectos?

Bueno, no siempre estás en tu máximo de creatividad permanente, por lo que rescatar ideas pasadas siempre es positivo siempre y cuando aporten valor.

En tu trabajo hay mucho de participación activa, de relación con la otra parte, hasta el punto de aceptar encargos personales que implican una conversación, algo que haremos también en el evento junto a New Balance ¿Cómo descubres que quieres involucrar a otros en un proceso de creación que otros entienden como algo personal?

Fue un proceso muy natural. Empecé trabajando láminas y lienzos de colección basadas en aficiones que yo pudiera tener. Como consecuencia, precisamente todas aquellas ideas, hobbies o pasiones que no incluía en mis obras, al pedírmelas la gente empecé a trabajar en encargos. Siendo de esta forma fiel a mis colecciones originales, pero por otro lado adaptándome a lo que la gente le iba apeteciendo.

Primero fueron aficiones, y posteriormente empezaron a ser historias de una vida, recuerdos de un viaje… La verdad es que es un proceso súper especial. No solo porque es una forma de resumir y recoger todo lo aprendido en una obra, sino porque precisamente conoces la vida de la gente. La gente te abre la puerta de sus recuerdos, y es una pasada. Es un ejercicio sociológico super interesante. Hay patrones por ejemplo como la pandemia, el nacimiento de un hijo, las mudanzas, o el cambio de trabajos que a todos nos han marcado en nuestra vida, pero ver qué ha hecho cada uno reaccionando a cada momento, es una experiencia única.

El acoger esas historias te convierte en una especie de archivo narrativo de emociones. ¿Te cambia como artista exponerte a la gente?

Si, precisamente era a lo que me refería. Es como entrar en la vida íntima de las personas. Poderlo resumir, agrupar, representar y finalmente entregar para que lo puedan exponer para siempre es una sensación increíble.
Esto creo que es lo que ha hecho que mi obra sea diferente. Es muy personal y muy emocional.

Tu carrera artística comenzó mientras la compatibilizabas con otros trabajos. ¿De qué manera crees que esa doble vida ha influido en tu mirada y en las historias que cuentas en tus obras?

Como decía al principio, en todo. Creo que sin mi pasado en consultoría no enfocaría muchas de las decisiones que tomo actualmente como las tomo. No creo que me haya aportado tanto en la parte artística en sí, sino más bien en la parte empresarial. La ambición por buscar permanentemente un reto por delante, o tratar de tener un plan a medio/largo plazo es algo que me parece vital para que un proyecto sea creíble, solvente, pero sobre todo sostenible en el tiempo.

¿Cómo ha evolucionado tu enfoque creativo desde los primeros encargos hasta las exposiciones y colaboraciones que haces ahora?

Pues ha evolucionado muchísimo. Desde la parte empresarial pero también artísticamente. Recientemente en mi última exposición en Sevilla he podido incorporar nuevas técnicas de trabajo a mi obra, nuevos colores, formatos… pero sobre todo la suerte de haber podido empezar a trabajar una obra única. Algo que me ha dado la oportunidad de crear obras irrepetibles que cuentan una historia por sí solas más allá de recoger ideas, aficiones o recuerdos estáticos. Sino que la propia obra ya empieza a contarte su propia idea.

Aunque llevas tiempo dedicándote al arte, no vienes de una formación académica clásica. ¿Sientes que esa condición se ha convertido en una ventaja a la hora de construir un lenguaje propio?

Pues quizá sí, porque no tengo ningún patrón artístico previo que me diga lo que debo o no debo hacer. Me he guiado por mi intuición, mis recuerdos, mis aficiones, y mi forma de ver la vida.

Como ya he contado alguna vez, hay dos fuentes de inspiración permanentes en mi trabajo. Una son los cómics que leía de pequeño y que de alguna forma se puede ver su repercusión en mi trabajo; y otra los viajes que realicé en esos casi 8 años trabajando por cuenta ajena. Siempre llevaba conmigo una moleskine y un rotring; y me ayudó a coger fluidez pintando. Representando muchas veces escenas con muy poco; que a día de hoy es algo muy visible en mi obra.

Tus obras parecen construidas con elementos sencillos y muy reconocibles. ¿Esa aparente sencillez es una búsqueda consciente? ¿Es más sencillo conectar con el espectador sin artificios?

Si, es algo que siempre he querido reflejar en mi obra. Que a través de muy poco, o de forma muy simple y sencilla, se pueda entender una historia. Pero además, creía que era especialmente importante que fuera universal, es decir que tanto aquí como en otras culturas o países se pudiera entender. Es algo que precisamente he comprobado recientemente este año con los trabajos que realicé en París y Dubai.

¿Qué papel crees que juega el arte en la sociedad actual, especialmente en un momento en el que todo va tan rápido y todo se consume tan deprisa?

Creo que hay una necesidad urgente de lo artesanal, de las cosas bien hechas y de volver a conectar con lo humano y las cosas sencillas. La sociedad hiperestimulada en la que vivimos tiene grandes virtudes, y ofrece herramientas super valiosas, pero también ha hecho daño a la sociedad.

Creo que querer coger aire, parar y valorar las cosas hechas despacio, a mano y como se hacían antes es una tendencia que no va a parar de crecer.

La simplicidad, la huida de lo artificioso y un resultado final amable, Trazas nos presentará su trabajo en una cena en la que la compartirá espacio con la New Balance 993.

La cita fue una cena íntima en Barcelona, en Segundo Espacio, el lugar creado por FOOTDISTRICT para facilitar el encuentro entre distintas comunidades, pero su concepto iba más allá: una fusión cultural pensada como un agradecimiento a quienes han inspirado su camino y creyeron en su visión desde la gestación. Lejos del brillo superficial, Winner Circle puso el foco en la mesa, un símbolo ancestral de unidad.

El espacio se transformó en un ambiente cálido y cercano, donde una mesa larga invitaba inherentemente a la conversación genuina. La gastronomía se erigió como vehículo narrativo central: el menú degustación africano, diseñado por Abarka, convirtió cada plato en un relato sensorial.

Los invitados eran aliados esenciales: personas que entienden el arte de salirse de la norma y que construyen comunidad desde una coherencia innegociable. La noche no solo reunió nombres conocidos, sino a quienes marcan la diferencia con su visión y su talento, elevando el valor de la marca a través de la lealtad y el respeto mutuo.

La velada se completó con un espectáculo cultural en vivo, un acto final que selló la atmósfera de inspiración y creatividad compartida. La experiencia se vivió desde una perspectiva auténtica y elegante: un recordatorio de que, para Winner Circle Collective, el éxito no es solitario, sino comunitario. Fue una noche hecha para compartir, inspirar y celebrar la cultura creativa que florece en España.

La presentación de “Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo de Sentimientos)” fue el momento para ubicar estos enfrentamientos sobre un escenario. En FOOTDISTRICT lo acompañamos en esta etapa, donde las adidas Adistar Control 5 se sitúan en el centro de su actitud. Hablamos con Marcos sobre cómo todos estos elementos, desde la música hasta el vestuario, construyen una personalidad compleja que se ha situado como una de las referencias del momento. 

¿El vestuario que vemos en el escenario y en el material gráfico de Depresión Sonora es el vestuario de Marcos? ¿Existe una diferencia consciente entre la persona y el personaje a través de la ropa?

100% es mi ropa. No me gusta sentir que voy disfrazado y creo mucho en lo auténtico de un proyecto donde lo estético a nivel personal es clave. Creo que tiene que haber una personalidad propia que no distinga entre personaje y persona.

Aunque Depresión Sonora no se define por un estilo concreto, el nombre del proyecto puede llevar a ciertos prejuicios visuales. ¿Sientes que ese nombre ha limitado o, por el contrario, ha reforzado la libertad de tu propuesta estética?

Creo que es un juego de palabras que de primeras puede hacer sentir encasillado al proyecto, pero que en cuanto lo entiendes te puede llevar a muchos sitios. Al final la forma estética se va formando con el tiempo y el haber nacido en un ambiente alternativo me ha dado esa libertad de escoger. Podría aparecer con pintas de gótico que a todo el mundo le parecería normal pero mi alma es mucho más rapera.

En tu experiencia, ¿crees que la ropa tiene el poder real de influir en tu estado de ánimo antes de un concierto o en la forma en que te relacionas y comunicas con el público mientras actúas?

Totalmente. Si uno se siente cómodo con su aspecto eso te da la seguridad para darlo todo en el escenario.

¿Crees que ciertas prendas (como una cazadora específica o un tipo de zapatilla) tienen una capacidad especial para comunicar, simplemente por su asociación histórica con géneros o movimientos musicales concretos?

La ropa y la estética son un elemento cultural clave. Muchas marcas se asocian a estilos de música y tribus urbanas diferentes. Llevo años comprándome el mismo tipo de zapatillas de la misma marca porque mis mayores cuando era más chaval las llevaban y representaban un símbolo de pertenencia.

Como músico que desarrolla una mirada estética aguda, ¿ha influido el arte de la fotografía —la composición, la luz, el grano— en la forma en que concibes tu propia imagen y te presentas al mundo a través de tus videoclips y sesiones?

De la misma manera que a nivel sonoro intento conseguir una estética concreta que me lleve y transmita sensaciones concretas, con lo visual ha sido igual. Intento cuidar el formato con el que se graba todo. Esta vez todos los videoclips están grabados con cámaras digitales de entre el 2005 y 2009. Luego hay mucho recurso con MiniDV y procesado con sintetizadores de video. Todo tiene que ser parte de un conjunto para transmitir lo que realmente quieres.

A menudo te hemos visto con camisetas de Bad Brains, Nirvana o gorras que recuerdan la estética shoegaze. ¿Constituyen estas elecciones un relato estético cohesionado o son, simplemente, homenajes musicales puntuales a bandas que te influyen?

Me gusta mucho el merch y estética de bandas de los 90’s. Son sobre todo un tributo a esas bandas pero que al final constituyen parte de ti y tu estética.

Tus inicios fueron puramente lo-fi y DIY (hazlo tú mismo). Ahora que Depresión Sonora es un proyecto consolidado que toca en grandes escenarios, ¿cómo negocian la transición estética y visual de la «habitación» a estos formatos? ¿Es necesario mantener una esencia visual reconocible a pesar del cambio de escala?

Mientras seas auténtico todo aquello que nace en un cuarto te lo llevarás a donde vayas. Obviamente hay que medir con la gente que trabajas pero hay que ser fiel en ciertas cosas a la filosofía de trabajo que te ha llevado a donde estás. 

Una narrativa de autenticidad y de sentido global en la que Marcos incluye las adidas Adistar Control 5, el modelo que le ha acompañado en la presentación de “Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo de Sentimientos)”.