La evolución de Lacoste

Lacoste nació de un juego y de la obsesión de René Lacoste por el rendimiento, incluso en los más pequeños detalles. El polo de piqué y su icónico cocodrilo son su legado más reconocido, pero la misma filosofía se ha aplicado al calzado, desarrollado durante más de seis décadas.

Desde 1958 con The René, pasando por The Ardeur en 1985 y The Indiana en 1989, Lacoste ha combinado diseño clásico con tecnología sofisticada en su calzado. La colección LT, con modelos como LT 120, 121, 124 y 125, sigue esta tradición ofreciendo suelas antideslizantes, sistemas de ventilación estratégicos y mediasuelas de poliuretano de alto rendimiento. Cada detalle está pensado para proporcionar comodidad excepcional tanto a jugadores profesionales como a aficionados, manteniendo la esencia del tenis y la elegancia que caracteriza a la Maison. 

Así es la Lacoste Slam Break Premium

La Slam Break Premium continúa esta tradición, hibridando estilos y escenarios. Sobre una base de piel premium, la zapatilla incorpora detalles que recuerdan modelos históricos y la tierra batida donde nacieron tantas leyendas del tenis. Destellos amarillos hacen referencia directa a las pelotas de tenis actuales, mientras que la talonera en suede y el cocodrilo metálico amplían la narrativa de la marca. La espuma ADS Foam asegura un confort superior, garantizando que el rendimiento se sienta en cada paso.

Para presentar esta silueta, Lacoste ha contado con Arthur Fils, una de las jóvenes sensaciones del tenis mundial, que comparte con la marca la visión de combinar estilo, precisión y rendimiento. Su presencia refuerza la conexión entre el legado deportivo y la estética urbana de la zapatilla.

Con la Slam Break Premium, Lacoste logra un equilibrio perfecto entre pasado y presente: cada detalle refleja su historia deportiva y al mismo tiempo aporta frescura y estilo a la ciudad. Una zapatilla pensada para quienes buscan un diseño que conserve el espíritu del tenis, pero que también se mueva con naturalidad en la vida urbana.

Una experiencia inmersiva inspirada en Puerto Rico

Con la llegada de Bad Bunny a Madrid, la ciudad se llenó de energía caribeña. En FOOTDISTRICT Madrid trasladamos esa vibración a la tienda, convirtiéndola en una parada más del DTmF Tour, una tienda efímera dedicada a la colección adidas Originals x Bad Bunny Merch Tour. La experiencia comienza en un aeropuerto, sigue por las calles de San Juan con un espectacular flamboyán, símbolo de Puerto Rico, incluye una barra de zumos y un espacio para ver la vida pasar jugando al dominó, y culmina en lo más íntimo: un hogar caribeño, concebido como la parada final de un recorrido que comenzó como un viaje. 

Cada detalle está diseñado para que los visitantes descubran la colección adidas x Bad Bunny Merch Tour en un entorno que refleja la historia y creatividad de Bad Bunny.

Inauguración y energía compartida

Para abrir la experiencia, invitamos a amigos de FOOTDISTRICT a un recorrido personalizado acompañado de bebidas, música y baile. La energía del momento impregnó la tienda y acompañó el espíritu del tour durante toda su estancia.

La tienda efímera adidas x Bad Bunny Merch Tour estará abierta del 29 de mayo al 15 de junio de 2026.

• Lunes a sábado: 10:30 – 21:00
• Domingo: 11:00 – 18:00

Dirección: C/ de Valverde 35, Madrid

Con motivo de la llegada de DTmF Tour a Europa, FOOTDISTRICT Madrid se convierte en un nuevo espacio dedicado a adidas x Bad Bunny Merch Tour, un punto de encuentro entre música, identidad y experiencia física.

Madrid como punto de encuentro entre Bad Bunny, adidas y FOOTDISTRICT

Madrid se ha consolidado en los últimos años como el centro de la cultura latina en Europa, una ciudad permeable a la música, y Bad Bunny lo ha comprendido bien: 10 conciertos que agotaron localidades casi instantáneamente.

Para celebrar el paso de Bad Bunny, FOOTDISTRICT transforma su tienda de Madrid en el escenario de una experiencia inmersiva creada alrededor de adidas x Bad Bunny Merch Tour, una activación que convierte cada rincón en parte de un recorrido, de Puerto Rico para el mundo.

Un recorrido inspirado en Puerto Rico

La experiencia surge como un viaje. El primer espacio recrea una terminal de aeropuerto, un punto de partida, pero también un símbolo de la llegada. Allí nos dan la bienvenida las floras rojas del flamboyán, el árbol convertido en representación de Puerto Rico que ha inspirado la nueva edición de las adidas para Bad Bunny Ballerina “Flamboyan”.

El recorrido sigue por una calle inspirada en Puerto Rico. Construida a partir de referencias cotidianas y códigos de barrio que recuerdan al Viejo San Juan; el color, los adoquines y los chinchorros, pequeños bares donde puedes pararte a beber algo y jugar una partida de dominó.

Tras pasar por el aeropuerto y las calles, el recorrido termina en la parte más íntima: un hogar puertorriqueño, concebido como el cierre emocional de la historia.

Cada elemento ha sido diseñado para que el visitante pueda descubrir la colección en un entorno vinculado a su historia y comprender el proyecto como una extensión física del universo creativo construido por Bad Bunny alrededor de DTmF Tour.

Fechas y horarios

La tienda efímera adidas x Bad Bunny Merch Tour estará abierta al público en Madrid del 29 de mayo al 15 de junio de 2026.

Lunes a sábado: 10:30 – 21:00
Domingo: 11:00 – 18:00
Dirección: C/ de Valverde 35, Madrid

Jordan Room convertida en escenario urbano

Nuestra Jordan Room en Madrid, dedicada a la historia y legado de Jordan, se llenó de música, bebidas y aperitivos que nos transportaron a Nueva York. Pero lo que realmente destacó fue la Claw Arcade customizada, inspirada en las clásicas máquinas de feria, donde los asistentes, con algo de habilidad, podían conseguir regalos como pegatinas, códigos de descuento, un casco de BMX y una BMX personalizada con los colores de las Air Jordan 4 “Brick After Brick”.

El buen ambiente, la emoción compartida y la interacción con el juego convirtieron el lanzamiento en un verdadero punto de encuentro, donde cada participante pudo probar su habilidad, disfrutar y conectar con otros fans de las zapatillas. Cada compra incluía una tote bag personalizada y un ticket para jugar, haciendo que cada par de zapatillas fuera también una puerta a la diversión y la sorpresa.

Premios y exclusividad

El premio principal, la BMX personalizada y el casco, junto a otros regalos y descuentos, reforzó el espíritu del lanzamiento como una experiencia completa, con historia, cultura, comunidad y momentos compartidos.

¡Gracias a todos por participar!

En FOOTDISTRICT hemos llevado esta historia a nuestro terreno: nuestra tienda de Madrid se convertirá en el escenario de una experiencia que recupera la esencia de Nigel Sylvester.

El BMX tomará la Jordan Room en Madrid con un evento que incluirá música, bebidas y aperitivos que nos transportarán a Nueva York. Además, habrá una sorpresa especial: una máquina Claw Arcade customizada, con bolas que contendrán regalos como pegatinas, códigos de descuento, un casco de BMX y una BMX personalizada con los colores de la Jordan 4 Brick After Brick.

Cada cliente que adquiera las Air Jordan 4 “Brick After Brick” (IQ8055-100) recibirá una tote bag personalizada y un ticket para probar suerte en la Claw Arcade de la tienda.

El premio principal será la BMX personalizada y un casco de BMX, además de descuentos, pegatinas y otros regalos (consulta aquí las bases legales). La compra se limitará a una unidad por persona.

Fecha: 22 de mayo
Lugar: FOOTDISTRICT Madrid
Horario: 10:30 a 13:30

DTmF llega a Europa

La gira DTmF Tour de Bad Bunny comenzó en Puerto Rico como una celebración de su vínculo con la isla y de todo el universo cultural construido alrededor de DeBÍ TiRAR MáS FOToS. Tras iniciar ese recorrido en casa, el tour llega ahora a Europa con paradas en París, Londres, Lisboa, Varsovia, Estocolmo, Madrid o Barcelona. Entre todas ellas, Madrid se convierte además en la ciudad europea con mayor número de fechas del tour, consolidando el vínculo entre Bad Bunny y el público español.

La colección adidas x Bad Bunny Tour Merch nace alrededor de esta idea: convertir cada parada del tour en una extensión del universo creativo de Benito.

Una relación construida junto a FOOTDISTRICT

A lo largo de los últimos años, FOOTDISTRICT ha acompañado algunos de los momentos clave vinculados al universo de Bad Bunny y adidas. A través de editoriales dedicados a sus lanzamientos y activaciones especiales, la relación se ha construido alrededor de una visión compartida de la cultura contemporánea, la música y el producto.

Entre esos momentos destaca la transformación de FOOTDISTRICT Madrid en una especie de embajada musical de San Juan, acercando al espacio referencias visuales, sonoras y culturales vinculadas al universo creativo de Bad Bunny. Un vínculo que continúa ahora con la llegada de DTmF Tour Merch. 

adidas x Bad Bunny Tour Merch: una colección inspirada en el viaje

La colección combina camisetas, prendas deportivas y reinterpretaciones de clásicos de adidas Originals como la chaqueta Firebird. Cada pieza incorpora referencias gráficas vinculadas a distintas ciudades europeas del tour, manteniendo al mismo tiempo una conexión constante con el archivo deportivo de adidas.

La propuesta mezcla una construcción contemporánea con elementos inspirados en la cultura puertorriqueña, utilizando una paleta de rojo, amarillo, negro y blanco para construir un lenguaje visual reconocible y conectado con la estética del tour.

La colección adidas x Bad Bunny Tour Merch ya está disponible en FOOTDISTRICT.

Yohji Yamamoto: origen y ruptura

La vida de Yohji Yamamoto parece marcada desde el inicio. Nacido en 1943, en plena Segunda Guerra Mundial, perdió a su padre siendo muy pequeño. Creció junto a su madre, una costurera que sostenía el hogar con largas jornadas de trabajo. De ella heredó el contacto con el oficio, aunque también la expectativa de un futuro distinto.

Formado inicialmente como abogado, pronto entendió que ese no era su camino. Tras estudiar en Bunka Fukusō Gakuin, comenzó a trabajar en el taller familiar, en el que vestía a mujeres que buscaban replicar el estilo europeo. Sin embargo, esa imitación nunca le resultó natural.

De Tokio a París: la construcción de un lenguaje

Su viaje a Europa marcó un punto de inflexión. Londres le acercó al universo punk, mientras que París se convirtió en el espacio donde desarrolló su propuesta. Londres fue su primer contacto con la moda europea. Malcolm McLaren y Vivienne Westwood recuerdan a Yohji (y su pareja de entonces, la fundadora de Comme des Garçons Rei Kawakubo) como fieles compradores de Sex, la tienda que, con distintos nombres, definió y acompañó la evolución del punk.

En 1981 presentó su primera colección en París: una ruptura radical con el lujo tradicional. Apostó por la imperfección, la deconstrucción y una paleta dominada por negros, blancos y beiges. Frente al exceso, Yamamoto proponía silencio. Una huida de las formas perfectas, el error era el lenguaje.

El outsider y sus seguidores

Su trabajo no fue inmediatamente comprendido. En un contexto dominado por el brillo y la ostentación, su propuesta resultaba incómoda. Sin embargo, surgió una comunidad que encontró en su obra una forma de identidad.

Sus seguidores, conocidos despectivamente como “Crows” por su preferencia por el negro, adoptaron su visión como una forma de oposición a la moda convencional. Yamamoto proponía una postura ante la vida, más que un diseño. 

El propio Yamamoto se sentía influenciado por el concepto arquitectónico de Balenciaga, un diseñador que podría parecer opuesto a sus trabajos. Las propuestas de Yamamoto influyeron a su vez en el trabajo de Rick Owens, Boris Bidjan Saberi o Ann Demeulemeester y su universo se amplió con alianzas en el cine (Takeshi Kitano,Wim Wenders), música (Ryuichi Sakamoto) o el diseño (Nick Night, Peter Saville). 

De la pasarela a la calle: el nacimiento de Y-3

Durante las décadas de los ochenta y noventa, la influencia de Yamamoto fue el centro de una relación entre París y Tokyo que marcó el inicio de un nuevo modo de comprender las tendencias. Un estilo que volvió a girar en 2002. 

Yohji sentía que sus creaciones no eran del todo reales, no veía sus diseños en las calles. Lo que sí encontraba eran zapatillas y prendas deportivas. A los 59 años, Yohji Yamamoto comenzaba una nueva etapa junto a adidas que desembocó en Y-3, una línea que se adelantó a la unificación de moda y deporte.

La tensión como motor creativo

La incomodidad, la posición de outsider y el rechazo a lo establecido son el núcleo de la obra de Yohji Yamamoto. Esa tensión constante es lo que ha definido su carrera y ha convertido su trabajo en una referencia para generaciones.

En su universo, la moda no busca la aceptación agradable y la sonrisa forzada. Busca cuestionar e incomodar, escaparse de los patrones esperados.

El origen de Nike Pegasus

El nacimiento de la Nike Pegasus cuenta una historia íntimamente relacionada con los corredores y algo alejada de los grandes lanzamientos. La idea de la Pegasus llegó en 1982, cuando Nike ya conocía bien los avances de las unidades Air. Las primeras zapatillas con cámaras de aire fueron las Tailwind en 1978 y desde entonces, Nike había intentado crear el modelo con mayor aire posible, una evolución que de un modo u otro desembocó muchos años después en Air Max. 

En 1982, las zapatillas de running eran una demostración de tecnología con precios elevados, una competición entre marcas por ofrecer lo nunca visto. Sin embargo, nadie miraba al consumidor, al corredor real. Y es lo que hizo Nike. Tomó como base la Nike Internationalist y se propuso incluir Air solo donde era necesario, en la zona de más impacto, en el talón. Para ello desarrollaron una nueva unidad Air llamada Air Wedge, que permitía un uso más controlado y masivo, porque mantenía la capacidad de amortiguación y su durabilidad, sin los problemas de adaptación (y el precio) de una unidad Air completa. 

Era también la respuesta a las exigencias de los corredores más experimentados, que buscaban una zapatilla de tacto agradable y que pudiera ser utilizada en distintas situaciones. Para la suela externa crearon un nuevo perfil inspirado en las clásicas suelas Waffle de Nike, aunque modificaron los tacos para adaptarse al asfalto o caminos de tierra. 

En el proceso de su creación trabajaron ilustres nombres del diseño de Nike como Bruce Kilgore (Air Force 1, Nike Sock Racer, Air Jordan 2) o Mark Parker, que 35 años más tarde se convirtió en el CEO de Nike. 

Aunque no era una completa novedad, se crearon versiones para hombre y mujer con distintas hormas, pesos y colores, con el objetivo de llegar a un mayor rango de atletas. 

El primer impacto de las Nike Pegasus 

Poco antes del maratón de Nueva York de 1982 llegaron por primera vez a las tiendas las Nike Pegasus en una combinación de colores poco impactante, gris y azul para hombre, blanco roto y burgundy para mujer. Ese era uno de sus encantos, era un modelo con todo lo esencial, que no destacaban en el catálogo del momento, pero era el fruto de la conversación de Nike con los corredores. 

Ante la aparente sencillez, Nike se vio obligada a contar lo que escondían las Pegasus, para lo que incluyó un libreto en el que se daban a conocer las propiedades del Air Wedge, la espuma Tomilite (un tipo de EVA) o el sistema de lazada variable que permitía un mejor ajuste.  

El éxito de Alberto Salazar en el maratón de Nueva York (aunque con unas Nike Mariah, un modelo más adaptado a sus ritmos) le dio más visibilidad a Nike, que trabajaba para hacer llegar las Pegasus a más tiendas y corredores. Otra maratoniana ilustre, Joan Benoit, eligió las Pegasus como su modelo básico de entrenamiento. 

En sus seis primeros meses de vida, la Pegasus vendió 300000 pares, un éxito inmediato que suponía casi una décima parte de la facturación anual de Nike. 

La evolución de Pegasus

En 1985 Nike comenzó a pensar en una posible evolución de sus Pegasus, siempre vinculadas a una idea: un diseño sencillo, que funcione para la mayor parte de los corredores en la mayor parte de sus experiencias. Fue así como se inició una evolución que llegó a las tiendas en 1987 y desde ahí, ha ido desarrollándose. Los modelos de 1982, 1987 o 1989 se convirtieron en mitos del running y con el tiempo han adquirido un estatus de leyenda y algunos de sus modelos de los años 2000 se ha reeditado exitosamente en contextos de moda. La línea Pegasus creció con modelos ACG (la primera vez que Nike usaba esas siglas fue en una Pegasus), Trail, Racer, T/C (Training and Competition) y en los últimos años, ediciones Plus y Premium. 

Incluso tuvo unos años de receso, a finales de los años noventa, después de algunas pruebas con unidades Air visible que la alejaron de su idea original. 

Nike Pegasus 42

El lanzamiento de la nueva Nike Pegasus 42 se mantiene fiel a su idea original, una zapatilla sencilla, fácil y para todos, que mejora en cada nueva versión. En esta ocasión incluye Air Zoom curvada en toda la mediasuela, diseñada para una reactividad máxima que aporta un 15% más de energía que la Pegasus 41. Además, incluye ReactX y una nueva estructura que permite 3 mm más de espuma sin alterar la altura de la mediasuela. 

Pegasus, junto a Vomero y Structure, es la base de la nueva gama simplificada de Nike y por tanto esperamos de ella distintas versiones.

El origen de Satisfy

Satisfy fue fundada en 2015 por Brice Partouche, emprendedor francés con una trayectoria previa en moda y una sensibilidad muy ligada al universo skate, al punk y a la cultura musical alternativa. Partouche creció entre los Alpes franceses, un entorno que lo conectó con deportes de deslizamiento como el snowboard y, más tarde, con el skateboarding, dos disciplinas que ayudaron a moldear su visión estética y su manera de entender el movimiento.

Antes de Satisfy, Partouche había lanzado April77, una marca de denim con fuerte personalidad rockera. Esa herencia se nota en su forma de construir relato: Satisfy no nació para ser una marca deportiva convencional, sino una firma con discurso, con imaginario propio y con una lectura mucho más cultural del running.

Contracultura, punk y actitud

Una de las claves para entender Satisfy es su relación con el punk. La marca toma de ese mundo una idea de rebeldía, independencia y rechazo de lo normativo. En lugar de perseguir una estética limpia y previsible del deporte clásico, se acerca a una visión más cruda, libre y con personalidad, cercana al skate, al rock y al underground.

Esa influencia cultural se ha traducido también en colaboraciones y cápsulas que refuerzan su identidad. Un ejemplo claro fue la colección “Run! Punk Run!”, inspirada en Joe Strummer, vocalista de The Clash, y en imágenes de su participación en el Maratón de Londres. Ese tipo de referencias sitúan a Satisfy en un cruce muy específico entre running, música y cultura alternativa. Un estilo de comunicación que fomentan a través de su propio magazine, Possessed, y sus imprescindibles listas de reproducción en Spotify. 

Técnica y diseño

En un catálogo que destaca por su estilo, sorprende la aparición de tecnologías específicamente desarrolladas para Satisfy, que en ocasiones mantienen un estilo visual propio. Así fue con MothTech, un sistema de agujereado en prendas de algodón hiperlavado que siguen el patrón de sudoración y han creado una estética propia.

TheRocker es una de las piezas más representativas del giro técnico de la marca. Se trata de su primer modelo de trail shoe, pensado para moverse entre diferentes terrenos y ofrecer una pisada fluida, cómoda y con mucha tracción.

La zapatilla incorpora tres elementos clave: la mediasuela Euforia™, orientada a una zancada más reactiva y rodada; la suela con TuneLug™ y compuesto Vibram Megagrip, pensados para mejorar agarre y estabilidad; y el upper Rippy™ 66 Monomesh, diseñado para ofrecer resistencia, transpirabilidad y protección con poco peso, ya presente en otras prendas y accesorios. TheRocker resume muy bien la filosofía de Satisfy, que es hacer producto técnico sin renunciar a una estética de autor.

Por qué importa en moda y deporte

El impacto de Satisfy va más allá del rendimiento. La marca ayudó a normalizar una idea muy actual: que el running también puede ser cultura visual, identidad y deseo de marca. Su lenguaje conecta con consumidores que valoran tanto la función como el relato, y por eso se ha convertido en una referencia internacional dentro del running.

Pablo Alzaga es fotógrafo y conoce el deporte desde todos los ángulos, esteta del juego y de la arquitectura asociada al fútbol, involuntario investigador de tendencias y creador de Matinal, un estudio que descubre que el fútbol está presente en muchos otros campos de la cultura.

Matinal debería ser un equipo de fútbol pero es algo más. Mucho más. Matinal FC surge en el fútbol, sí, pero lo que le distingue del resto de equipos es lo que ocurre antes y después, el universo que consigue crear a partir del fútbol. Un mundo que habitualmente se considera enfrentado a él…o al menos a la concepción que teníamos del fútbol. 

Pablo Alzaga llega de Los Ángeles después de conocer todo lo que adidas prepara para este verano de fútbol. Un momento perfecto para hablar con él sobre sus proyectos personales, sobre Matinal y por supuesto, de lo que ha conocido de adidas en Los Ángeles.

Matinal surge en algún lugar entre el fútbol, el diseño y la música ¿Cómo nació Matinal FC? 

Matinal, tal y como lo que es hoy –un estudio creativo que se especializa en la intersección entre fútbol, moda y cultura– nació a finales de 2022. Pero antes de darle estructura de agencia, ya habíamos coqueteado con esta idea de descontextualizar las formas tradicionales del fútbol. En 2018 fundé con mi socio Nacho Asensio un colectivo creativo alrededor de nuestro equipo de toda la vida, el CCP (Club Ciudad de los Periodistas). Diseñamos camisetas junto a adidas y LATIGO –marca con la que trabajaba entonces y donde ya habíamos experimentado con proyectos que unían estas 3 disciplinas, desde Dellafuente FC a nuestra mítica camiseta partida del Barça-Madrid. Organizamos pachangas para perfiles creativos. Empezamos a tener conversaciones culturales con clubes y jugadores profesionales. Matinal es una respuesta a la necesidad de conectar lo que ocurre dentro y fuera del campo y facilitar la conversación entre ambos mundos.

Partís de mundos globales que podríamos considerar de consumo masivo, sin embargo al unirlos se forma algo completamente diferente, más relacionado con lo contracultural. ¿Sentís que vais a contracorriente?

Sí. Históricamente, el mundo del fútbol ha romantizado demasiado el concepto de shut up and dribble. Nos han enseñado que los jugadores deben dejar sus inquietudes y pasiones detrás y enfocarse en el fútbol. Pensemos en lo que ocurre cuando un delantero comparte una inquietud artística en redes, pero lleva 3 meses sin meter un gol. O cuando un club hace una activación cultural al mismo tiempo que su primer equipo coquetea con el descenso. Siempre hemos defendido que cierta separación entre cultura y performance es algo positivo para la industria, y parece que al fin esta idea empieza a tener poso en ciertos sectores del ecosistema fútbol. 

¿Cuál es el hilo conductor entre el contenido que hacéis —desde la ropa hasta la música o los eventos? 

Nos inspira la redefinición del concepto de aficionado: cómo accede a la disciplina futbolística a través de sus passion points, pudiendo estar alejados de la propia práctica deportiva: diseño, moda, arte, música, fotografía, arquitectura… en 2026 ya no es necesario haber pisado un estadio para que te interese el fútbol. Es lo que nosotros llamamos post fútbol: el espacio que hay más allá de la victoria y el resultado. 

Algo que distingue a Matinal FC es que sois “jugadores de liga de domingo” reales. Pero en la parte creativa también hay una parte de Matinal sin un vínculo directo con el fútbol. ¿Cómo friccionan esas dos partes de Matinal? 

Nuestros procesos e identidad como marca también hablan de las distintas formas de “ser aficionado”. El germen de Matinal sí que nace de un equipo de liga de domingo en la que varios de sus jugadores tienen profesiones en entornos creativos. En mi caso concreto, que trabajo en fotografía de moda, confesar en ciertos círculos que te gustaba el fútbol podía ser percibido como una red flag. Ser esa clase de tío. Pero al mismo tiempo, era bastante frecuente descubrir a perfiles creativos que también jugaban o consumían fútbol, y que no encontraban un espacio donde celebrarlo con gente afín a ellos/as. En cuanto a la parte sin vínculo directo, tenemos un ejemplo muy ilustrativo. A Sandra Ramiro –nuestra primera directora creativa y diseñadora de la identidad de Matinal– el fútbol no le había interesado demasiado hasta ese momento. Todas sus referencias venían de otros ámbitos y así se aprecia en muchos de nuestros diseños o en el propio logo: no se parece a ningún escudo de fútbol tradicional. Cualquier otro diseñador condicionado por la estética futbolera hubiese llegado a un resultado mucho más clásico, heráldico. Esta falta de sesgo aporta mucho valor y riqueza a la escena. Lo cierto es que en el equipo de Matinal tenemos a gente a la que no le gusta el fútbol, al menos no en su sentido tradicional, pero conecta por otras razones. Y es en esa fricción y diversidad de backgrounds es donde ocurre la magia. 

Hay algo en el fútbol que lo ha convertido en algo que trasciende el propio deporte. ¿cuándo crees que empezó a funcionar como un fenómeno cultural con peso propio? En un mundo hiperprofesionalizado ¿qué papel juega el aficionado en la construcción del estilo y la identidad del fútbol? 

El fútbol como fenómeno cultural y social siempre ha formado parte de su esencia. Hablando de estilo e identidad, creo que la influencia del aficionado ha crecido en los últimos años con respecto a clubes y jugadores, que históricamente son los que han marcado el ritmo. El perfil de aficionado al fútbol se ha diversificado: es plural, tiene una relación directa con la cultura y desarrolla su sentimiento de pertenencia con todo aquello que sucede sobre el césped pero también fuera de él. Exige el deporte un propósito que se extienda más allá del estadio. El nuevo fútbol ha dejado de pertenecer únicamente a futbolistas y clubes y creo que el reto actual está en dominar la conversación dentro y fuera del campo. 

¿Crees que las marcas deportivas entienden el valor cultural del fútbol? 

El fútbol, como la moda, es “reactive by design”: espera a ver lo que funciona y después lo copia con ligeros cambios. Nadie quiere liderar pero todos quieren ser de los primeros. Una vez más, el camino se abre desde la subcultura: grupos de discord, run clubs, equipos de fútbol ficticios… Creo que algunas marcas deportivas están sabiendo dónde mirar y es muy positivo que entiendan que el centro de gravedad cultural empieza en la comunidad. 

Hay un vínculo especial que une a Matinal y la música…o al menos a los profesionales de la música. ¿Cómo surge esa relación?¿Qué papel juega la música en la construcción de la identidad futbolera actual? 

Tanto música como fútbol tienen intrínsecos los sentimientos de pertenencia y comunidad. No se me ocurren muchas disciplinas que compartan tan profundamente estos valores, por eso su relación siempre ha sido tan orgánica para Matinal. Trasladado a producto, el concepto de merch como artefacto cultural es esencialmente lo mismo para ambos mundos: no encuentro diferencia entre el sentimiento que produce cruzarse con alguien con la camiseta de tu equipo o la de tu artista favorito. 

Paco de Lucía, Rod Stewart, Elton John, Julio Iglesias, Bob Marley, hay un gran historial de músicos y fútbol. Hoy día ¿se relaciona con un estilo concreto? 

Resumiría ese listado en que personality sells tickets. Los hermanos Gallagher, Leiva o Dellafuente… en el imaginario colectivo de músicos y fútbol no hay un estilo dominante pero sí un vínculo claro. Sin ir más lejos, nosotros hemos diseñado camisetas de fútbol en un espectro que va desde a Aitana a Viva Belgrado. 

No te vamos a preguntar qué músico juega mejor, pero habéis organizado partidos en situaciones y lugares un tanto extraños. ¿Cuál crees que es el más extraño en el que has jugado? ¿Alguna anécdota? 

En 2023 jugamos dos partidos en una misma semana contra Duki, Milo J, Khea y su gente a raíz de un pique en una cena (Argentina campeona del mundo 2022 type beat). El primer partido lo jugamos a puerta cerrada, pero el segundo día unos chavales nos cazaron entrando en un polideportivo del centro de Madrid y acabamos jugando un partido con más de 100 críos gritando en las bandas. La hermana pequeña de uno de los jugadores de nuestro equipo nos vio en tiktok. 

La moda tiene sus pasarelas dos veces al año, el fútbol lo tiene cada cuatro ¿Qué supone la Copa del Mundo en términos de estilo? 

El poder simbólico de las equipaciones de la Copa del Mundo y cómo se convierten en iconos (pienso en España 94, Alemania 94, Francia 98) es un soplo de aire fresco frente al ritmo actual en el que los clubes lanzan hasta cuatro ó cinco equipaciones por temporada. 

¿Qué puedes contarnos de la presentación de las equipaciones adidas en Los Ángeles? 

adidas ha demostrado cómo está dominando la conversación dentro y fuera del campo. La introducción –36 años después– del logo Trefoil en equipaciones de la Copa del Mundo es un gran movimiento, con Originals como motor narrativo en un espacio históricamente reservado a performance. Esto hace más fácil que la comunidad de insiders culturales conecte con el fútbol a través de sus pasiones (diseño, moda, música) y amplíe orgánicamente el discurso de la marca. 

En mi opinión, este debería ser el futuro de la relación fútbol-marca: narrativas basadas en su propio valor cultural, conectadas con el contexto deportivo pero independientes. Lo que ocurre alrededor del terreno de juego ahora es tan relevante como lo que pasa dentro de él. 

¿Qué te interesa más de las comunidades que se generan alrededor del fútbol, las gradas, la calle, los proyectos creativos? 

Me interesa analizar cómo los proyectos de fútbol creativo anticipan los cambios culturales en lugar de reaccionar ante ellos. Como decía antes, los líderes del discurso siempre provienen de los márgenes. 

El fútbol está viviendo un proceso de actualización visual, narrativa y estética: ¿hacia dónde crees que va esa evolución? 

Los aficionados y jugadores son cada vez más plurales y diversos. Los clubes se han convertido en ecosistemas complejos. Las ligas ya no son competiciones, sino festivales. Podríamos resumirlo en que el valor del fútbol como marca ahora está dentro y fuera del campo. Debe orientarse a desarrollar su propio lore: un hilo conductor que mantenga enganchado al aficionado entre temporadas, sin limitarse únicamente al resultado deportivo. 

¿Qué valores o emociones te gustaría que Matinal FC transmitiese a las próximas generaciones de fans de fútbol y cultura? 

El fútbol va mucho más allá del partido de los domingos, del deporte en sentido estricto – forma parte de nuestra identidad y del día a día. Human first, athlete second.